10 Meisterwerke aus Italien: Wie Regisseure von 1948 bis 1977 das Weltkino veränderten
Mode & Stil
Italienische Filmemacher prägten die Ästhetik des Nachkriegskinos weltweit.
Nach den Zerstörungen des Zweiten Weltkriegs erfand eine Gruppe italienischer Autoren, Kritiker und Theaterregisseure das Kino neu. Regisseure wie Roberto Rossellini, Vittorio De Sica und Luchino Visconti machten die reale Armut und die Trümmerlandschaften des Landes zum Fundament des Neorealismus.
Diese Bewegung bildete die Basis für nachfolgende Generationen. Filmemacher wie Federico Fellini, Michelangelo Antonioni, Sergio Leone und Dario Argento erweiterten das europäische Autoren- und Genrekino um Satire, Surrealismus, Psychogeografie und stilprägenden Horror.
Die Evolution des italienischen Kinos
Vom Neorealismus zur Autorenfilm-Avantgarde
Der frühe Neorealismus konzentrierte sich auf das Leben einfacher Bürger und drehte vorwiegend an Originalschauplätzen mit Laiendarstellern. Mit dem einsetzenden Wirtschaftswachstum der 1960er-Jahre verlagerte sich der Fokus zunehmend auf das Bürgertum, existentielle Entfremdung und subversive Genrestile.
1. Ladri di biciclette (Fahrraddiebe, 1948)
Vittorio De Sicas Drama gilt als Referenzwerk des italienischen Neorealismus. Die Handlung folgt dem Plakatkleber Antonio, dessen existenzsicherndes Fahrrad am ersten Arbeitstag in Rom gestohlen wird.
Gemeinsam mit seinem Sohn Bruno sucht er die Stadt vergeblich ab. De Sica besetzte die Hauptrolle mit dem Fabrikarbeiter Lamberto Maggiorani und inszenierte die soziale Isolation des Einzelnen direkt in den Straßen Roms, insbesondere im Stadtteil Trastevere.
2. Viaggio in Italia (Reise in Italien, 1954)
Roberto Rossellini vollzog mit diesem Werk den Übergang vom reinen Neorealismus zum modernen Beziehungsdrama. Ein britisches Ehepaar, gespielt von George Sanders und Ingrid Bergman, reist nach Neapel, um eine geerbte Villa zu verkaufen, während ihre Ehe zerbricht.
Erst der Anblick der konservierten Leichenreste in den Ruinen von Pompeji führt zu einer unerwarteten Wiederannäherung. Der Film gilt als Meilenstein der modernen Filmsprache, der weite Landschaften mit psychologischer Kammerspiel-Dynamik verbindet.
3. Divorzio all’italiana (Scheidung auf italienisch, 1961)
Pietro Germis Satire thematisiert die damalige Illegalität von Scheidungen in Italien. Der verarmte sizilianische Aristokrat Fefè, dargestellt von Marcello Mastroianni, plant den Ehrenmord an seiner Ehefrau, um seine 16-jährige Cousine heiraten zu können.
Der Film begründete die Hochphase der Commedia all’italiana. Hinter dem makabren Humor und visuellem Slapstick seziert das Drehbuch die starren Strukturen und den Verfall des traditionellen Adels.
4. L’Eclisse (Liebe 1962, 1962)
Als dritter Teil von Michelangelo Antonionis sogenannter Eros-Trilogie zeigt der Film Monica Vitti und Alain Delon vor der Kulisse des modernen Roms. Ihre flüchtige Affäre spielt sich zwischen der hektischen Börse und der rationalistischen Architektur des Stadtteils EUR ab.
Antonionis elliptische Erzählweise verzichtet auf klassische Dramaturgie. Die berühmte, siebenminütige Schlusssequenz zeigt ausschließlich verlassene urbane Räume, ohne dass die beiden Hauptdarsteller noch einmal im Bild erscheinen.
5. 8 ½ (Achteinhalb, 1963)
Federico Fellinis semiautobiografisches Werk verarbeitet eine reale Schaffenskrise des Regisseurs. Marcello Mastroianni spielt den Regisseur Guido, der während der Vorbereitung eines Science-Fiction-Films von Blockaden, Kindheitserinnerungen und Frauenfantasien heimgesucht wird.
Neben Claudia Cardinale als Idealgestalt besticht der Film durch surreale Traumsequenzen und eine verschachtelte Metaebene. Das Werk gilt international als einer der einflussreichsten Filme über den kreativen Schaffensprozess.
6. Il gattopardo (Der Leopard, 1963)
Luchino Viscontis Verfilmung des Romans von Giuseppe Tomasi di Lampedusa beleuchtet den Umbruch des Risorgimento auf Sizilien. Burt Lancaster verkörpert den alternden Fürsten Salina, während Alain Delon als sein opportunistischer Neffe Tancredi die Annäherung an das aufstrebende Bürgertum sucht.
Höhepunkt des dreistündigen Historienepos ist eine 45-minütige Ballszene. Sie inszeniert den schleichenden Machtverlust der alten Aristokratie mit akribischer historischer Detailgenauigkeit.
7. Prima della rivoluzione (Vor der Revolution, 1964)
Bernardo Bertoluccis zweiter Spielfilm fängt das Lebensgefühl der politisierten italienischen Jugend der frühen 1960er-Jahre ein. Der bürgerliche Student Fabrizio tritt der Kommunistischen Partei bei und beginnt nach dem Suizid eines Freundes eine Affäre mit seiner Tante Gina.
Der Film spiegelt den inneren Konflikt einer Generation zwischen revolutionärem Anspruch und bürgerlicher Herkunft wider. Formal orientierte sich Bertolucci dabei an Jean-Luc Godard, Alain Resnais und seinem Mentor Pier Paolo Pasolini.
8. Il buono, il brutto, il cattivo (Zwei glorreiche Halunken, 1966)
Sergio Leone definierte mit seinen in Spanien gedrehten Italowestern das Westerngenre grundlegend neu. In diesem dreistündigen Finale seiner Dollar-Trilogie jagen drei moralisch ambivalente Revolverhelden während des US-Bürgerkriegs nach einer Kriegskasse.
Leones Wechsel aus extremen Nahaufnahmen und weitläufigen Totalen setzte in Kombination mit der Filmmusik von Ennio Morricone neue Maßstäbe. Das finale Drei-Personen-Duell auf einem Friedhof gehört zu den bekanntesten Szenen der Filmgeschichte.
9. Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto (Ermittlungen gegen einen über jeden Verdacht erhabenen Bürger, 1970)
Elio Petris politischer Thriller analysiert den autoritären Machtmissbrauch im italienischen Staatsapparat. Ein hochrangiger Polizeifunktionär, gespielt von Gian Maria Volonté, ermordet seine Geliebte und platziert am Tatort gezielt Spuren, die direkt zu ihm führen.
Seine Untergebenen weigern sich jedoch aus blindem Gehorsam, den offensichtlichen Hinweisen nachzugehen. Der Film karikiert die bürokratischen Mechanismen am Vorabend der sogenannten Bleiernen Jahre in Italien.
10. Suspiria (1977)
Dario Argentos Giallo-Horrorfilm folgt einer US-amerikanischen Tanzschülerin an einer renommierten Ballettakademie in Freiburg, die von einem Hexenzirkel kontrolliert wird. Die Handlung dient primär als Gerüst für eine exzessive audiovisuelle Inszenierung.
Mit extrem satten Technicolor-Farben, surrealen Kulissen und dem treibenden Soundtrack der Progressive-Rock-Band Goblin etablierte der Film eine expressionistische Ästhetik im europäischen Genrekino.